En un mundo cada vez más conectado y avanzado tecnológicamente, las experiencias inmersivas surgen como un fenómeno revolucionario que transforma la forma en que vivimos, aprendemos, trabajamos y nos entretenemos. Estas experiencias, que abarcan desde la Realidad Virtual (VR) y la Realidad Aumentada (AR) hasta simulaciones sensoriales y juegos envolventes, nos transportan a mundos alternos, desafiando las limitaciones de tiempo y espacio.
Una experiencia inmersiva crea un entorno donde los espectadores reciben multitud de estímulos y sensaciones a través de diferentes sentidos. Aunque lo visual y el sonido son predominantes, también se incorporan el olfato, el tacto e incluso sabores, transportando al público a un estado de percepción elevado. Para ofrecer este tipo de experiencias, se combina arte, ciencia y tecnología.
Las aplicaciones más conocidas hoy en día se encuentran en el ámbito cultural. Exposiciones de grandes pintores atraen a multitudes y generan gran interés. Además del arte, estas experiencias se emplean en visitas virtuales a museos, obras de teatro, recitales y recorridos por ciudades sin salir de casa, ampliando su uso al sector turístico. Un ejemplo de lo anterior en la ciudad, lo podemos encontrar en la Alianza Francesa de Lima con su propuesta de “Cabinas de realidad virtual” donde el público puede explorar obras maestras de renombrados artistas, recorrer las calles icónicas de París y descubrir tesoros históricos en francés a través de cascos especiales para VR.
Arte inmersivo
El arte inmersivo transforma la manera en que se perciben las obras de arte. Ya no se trata de ver una obra en la lejanía, sino de sumergirse completamente en ella. Estas obras, acompañadas de sonido, luces y colores, se aprecian con todos los sentidos. El arte inmersivo es interdisciplinario, mezclando tecnología, ciencia, arte y naturaleza para convertir las obras estáticas en dinámicas, interactuando directamente con el espectador.
El arte inmersivo permite al espectador formar parte de la obra, utilizando otros sentidos además de la vista. El sonido, la luz, las imágenes y los colores crean un conjunto que ofrece una experiencia vital del arte. Las obras se proyectan en instalaciones con grandes pantallas y suelos reflectantes, utilizando la realidad virtual o técnicas que aprovechan el espacio real para generar inmersión.
Es crucial no confundir el arte inmersivo con el interactivo. El arte interactivo está diseñado para que el espectador, al moverse, cree efectos visuales y de luz. El arte inmersivo no necesariamente es interactivo; el espectador puede explorar la obra sin modificarla. Por lo tanto, el arte inmersivo puede ser o no interactivo, y viceversa.
“Pulse Topology» de Rafael Lozano-Hemme. Es una obra de arte biométrica inmersiva (y según lo explicado interactiva), que consiste en 3,000 bombillas suspendidas, cada una de las cuales brilla al ritmo de los latidos de los participantes.
El arte inmersivo será el nuevo lenguaje del arte contemporáneo que permitirá establecer un puente emocional y sensorial entre el espectador y el artista. Aunque se señala que ha nacido en la era digital, investigadores como Iégor Reznikoff, Michel Dauvois y Leigh Dayton han demostrado que durante el Paleolítico, el ser humano ya tenía en cuenta el espacio y el sonido al crear pinturas rupestres. Se ha observado que las pinturas se sitúan en los lugares más resonantes de las cuevas, indicando una conexión entre el arte y la acústica desde tiempos prehistóricos.
En el arte más reciente se puede encontrar referentes en expresiones como el happening y la performance, no obstante, el arte inmersivo muestra una evolución con un componente didáctico que acerca el arte al espectador y facilita su comprensión. La pintura ha sido una de las disciplinas que más ha aprovechado las experiencias inmersivas en los últimos años. Exposiciones de maestros del arte como Vincent Van Gogh, Gustav Klimt y Picasso recorren el mundo, presentando sus obras de manera inmersiva.
Exposiciones en Lima que se acercan a una experiencia inmersiva
Actualmente en Lima, se está presentando la exposición «Van Gogh Vivo» en el Centro Comercial Plaza Norte donde ofrecen por medo de un pago una sala inmersiva y seis salas interactivas, con proyecciones multimedia, animaciones, tecnología Light Walls, narraciones en vivo y música envolvente, convirtiéndose en la referencia más clara de una experiencia inmersiva del arte en la ciudad.
Sin embargo, habrá que señalar que en estos meses se han destacado varias exposiciones de arte como experiencias inmersivas. Si bien estas muestras no responden estrictamente a lo que hemos visto anteriormente, podemos apreciar que nos acerca al arte de otra manera, más sensorial, donde el color, la luz, la música o el tacto están presentes permitiendo un experiencia envolvente. Entre ellas podemos mencionar:
Ver por contacto. Fotogramas 2014 – 2024 de Roberto Huarcaya
La exposición reúne la obra producida en los últimos diez años por el fotógrafo y artista visual peruano Roberto Huarcaya. Presenta una serie de fotogramas de gran formato, realizados con distintas técnicas (cianotipo, marrón de Van Dyke, entre otras) en diversas regiones del Perú, desde las costas del Pacífico hasta los bosques de la Amazonía y las montañas de los Andes.
Es fundamental entender que un fotograma es una imagen fotográfica obtenida sin el uso de una cámara, mediante la colocación de objetos sobre una superficie fotosensible, como película o papel fotográfico, y su posterior exposición a la luz directa. Este procedimiento fotográfico, utilizado con fines artísticos, ha recibido diferentes denominaciones como rayogramas, schadografías o dibujos fotogénicos.
Esta forma de trabajar, en la que las relaciones de fuerza entre los materiales, las circunstancias, el artista y sus colaboradores son orgánicas expresa el reconocimiento del carácter incierto de la existencia. Sus fotogramas reivindican un trabajo artesanal y experimental que reconoce la idiosincrasia del tiempo y el espacio, admite la resistencia de la materia y acepta la irreductibilidad de la experiencia.
En este sentido, el campo de experiencia y pensamiento abierto por los fotogramas invita a explorar nuestra percepción. Este enfoque, que prescinde del aparato fotográfico tradicional, no es puramente óptico, sino que enfatiza su dimensión háptica, un «ver por contacto». Este proceso de producción de imágenes se basa en la proximidad, interacción y complicidad con el objeto fotografiado, lo que exige reconocer y respetar la idiosincrasia de lo observado. Así, el «ver por contacto» se convierte en una expresión de un pensamiento empático, un «ver con-tacto».
El artista propone una nueva forma de vincularse con su entorno, viendo no solo con los ojos, sino también con las manos, reflejando la delicadeza con la que interactúa con los materiales. Aunque el fotograma tiene un componente documental, en este caso, Huarcaya crea una ficción que sorprende al espectador al desafiar los códigos tradicionales.
La muestra invita a la contemplación de obras que no han surgido de forma inmediata. Incluye dispositivos que permiten observar las obras desde arriba, como si fueran el cielo, y una iluminación que juega un papel determinante al crear una atmósfera emocional. La exposición también cuenta con la participación del pianista y fotógrafo Mariano Zuzunaga, quien ha sido invitado a interpretar un solo de piano.
En resumen, la reflexión sobre las implicaciones del fotograma, las diversas instalaciones presentes, la atmósfera lumínica, los dispositivos para apreciar las obras y la música son elementos que hacen de esta muestra una experiencia cercana de arte inmersivo.
📅 Hasta 23 de junio
🕔 Mar. a dom. de 10:00 a. m. a 7:00 p. m.
📍 Espacio Germán Krüger Espantoso del ICPNA // Av. Angamos Oeste 160, Miraflores
Casa Cosmos de Xomatok
Esta muestra artística abarca cinco habitaciones (sala, comedor, cocina, patio y baños) de la casa Cosmos intervenidas por Xomatok, un artista reconocido por su uso audaz del color para crear paisajes cromáticos gradientes.
Durante tres meses, el artista transformó los interiores de la casa Cosmos, utilizando una paleta de colores vibrantes antes de su demolición para dar paso a la construcción de un edificio residencial.
“Es un recorrido a través de paisajes mentales gradientes; un espejo cromático efímero que proyecta íntimas lecturas; acaso el símil de la ciudad que imaginamos. En una Lima de constantes cambios, esta iniciativa se convierte en un manifiesto de instrucciones libres para despedir y transformar un espacio. El homenaje de una energía que no desaparece sino que se transforma”, explica Xomatok.
Aunque esta propuesta artística no incluye elementos tecnológicos típicos de las experiencias inmersivas, logra un efecto envolvente a través del predominio del color. Xomatok, conocido por su paleta de colores a modo de arcoíris, transforma radicalmente nuestra percepción de un espacio tradicional, añadiendo nuevas dimensiones y sensaciones que nos llevan a una experiencia ficticia y reflexiva.
La obra invita a cada visitante a reflexionar sobre lo invisible en el espacio, subrayando cómo el arte nos conecta con la creatividad, promoviendo una nueva perspectiva y mejorando la calidad de vida.
📅 Hasta 09 de julio
🕐 Mar. a sáb. de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y dom. de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
📍 Calle Chacaltana 106, Miraflores
✍️ Inscripciones aquí: https://bit.ly/3V4qSBT
Koshi Kené (El poder del Kené)
La instalación de arte contemporáneo shipibo-konibo es una obra colaborativa creada por Olinda Silvano, las mujeres muralistas de Soi Noma y el artista Harry Chávez. «Koshi» representa la energía o fuerza positiva que emerge del cosmos a través de las plantas medicinales, como la ayahuasca o el piri piri, cuyas visiones se materializan en los diseños Kené. Estos diseños no solo tienen un valor estético, sino también ritual y terapéutico.
La propuesta de esta instalación busca recuperar y transmitir la ritualidad sanadora mediante un tránsito-trance en un espacio configurado como un laberinto en forma de Ronin (serpiente) Kené. Este diseño pretende generar una experiencia similar a la mareación que se siente al consumir plantas medicinales o al navegar por los ríos.
El Kené es la manifestación artística más elaborada del pueblo shipibo-konibo y de toda la Amazonía peruana, destacando por la variedad y complejidad de sus diseños, la delicadeza de sus acabados y la profundidad de sus significados. Representa el misterio profundo (shini), el mapa del cielo, los caminos de los ríos, la piel de las serpientes, las nervaduras de las plantas y las visiones producidas por la medicina.
Tradicionalmente, las mujeres shipibo han trazado estos diseños para sus vestuarios, cerámicas y vida diaria. Con el aumento del contacto urbano, este arte nativo se ha difundido en los mercados artesanales, convirtiéndose en un medio importante de supervivencia económica y resistencia cultural. En los últimos años, muchas de estas creaciones han comenzado a ser valoradas artísticamente y exhibidas en museos y galerías.
La instalación se considera inmersiva gracias al uso del color y el diseño espacial, elementos que buscan generar sensaciones y acercar al espectador a rituales ancestrales. Al ingresar al Ronin Kené, el recorrido embriagante de los sentidos lleva al visitante a una parte central donde, como en el punto más intenso del viaje de la ayahuasca, se encuentra rodeado de colores fosforescentes que iluminan el mundo profano con visiones aurorales.
📅 Hasta 13 de julio
🕘 Mar. a sáb. de 10:00 a. m. a 7:00 p. m.
📍 Espacio Juan Pardo Heeren del ICPNA // Jr. Cuzco 446, Cercado de Lima
Constelaciones hápticas de Rogelio Sosa
Esta exposición muestra los resultados de la residencia del artista mexicano Rogelio Sosa en Lima durante mes y medio, quien ha creado cuatro obras específicamente para Proyectoamil. Para comprender la dimensión de este proyecto artístico, es importante conocer el concepto de «hápticas».
El término «háptica» se refiere a la ciencia del tacto, similar a cómo la acústica se relaciona con el oído y la óptica con la vista. Derivado del griego «háptō» (tocar), la háptica abarca todas las sensaciones no visuales y no auditivas que experimentamos.
Rogelio Sosa con formación en composición electroacústica e improvisación tecnológica, ha explorado las posibilidades sonoras más allá de los límites tradicionales. En esta exposición, propone que lo que el tacto percibe se convierta en sonido, explorando una forma alternativa de notación háptica que investiga las percepciones táctiles en nuestra piel, el órgano más extenso del cuerpo.
Esta propuesta no es un simple experimento ni una búsqueda de novedad, sino una postura divergente en una era que privilegia la percepción visual. El sistema visual dominante nos ha condicionado a valorar la experiencia visual sobre otras formas de percepción, subestimando el potencial de los demás sentidos.
La exposición desafía esta hegemonía visual al permitir que los intérpretes traduzcan a sonido lo que sienten con sus manos: texturas, rugosidades, volúmenes y topografías. Las cuatro obras de Sosa están inspiradas en su encuentro con los quipus en Perú, proponiendo una escritura ambigua y creativa más allá de su función mnemotécnica tradicional.
Estas estructuras de improvisación requieren sensibilidad, pensamiento y expresión. Los cuatro objetos de la exposición, predominando en tonos oscuros, invitan a ser tocados para revelar sus matices sutiles. Este enfoque enfatiza una ética de trabajo que respeta el origen y la transformación consciente de los materiales.
Sosa ha trabajado personalmente con barro, madera y textiles, evitando la explotación simbólica y material. Los materiales provienen de su entorno en Valle de Bravo, México, y su manipulación refleja una profunda conexión con la tierra y la naturaleza.
La exposición también desafía la tendencia contemporánea hacia lo liso y pulido, destacando la importancia de la textura y la imperfección. Las partituras de Sosa se nutren de discontinuidades y complejidades, reflejando los misterios que enriquecen la existencia.
Aunque no se presenta como una muestra inmersiva, esta exposición estimula diversos sentidos, activando el tacto y permitiendo una nueva forma de ver y sentir. La interacción o la participación del espectador son clave para generar reflexión y percepción sensorial.
En resumen, esta exposición nos invita a experimentar el arte a través del tacto, ampliando nuestra comprensión sensorial y ofreciendo una reflexión sobre la importancia de la diversidad perceptual en el arte y la vida cotidiana.
📅 Hasta 31 agosto
🕟 Miérc. a sáb. de 3:00 p.m. a 8:00 p.m.
📍 Proyectoamil // Av. Pedro de Osma 409, Barranco
Hemos precisado cómo las experiencias inmersivas, una tendencia en auge, están estrechamente vinculadas con dispositivos tecnológicos que nos permiten ir más allá de lo habitual. Asimismo, en lo que se ha denominado arte inmersivo determinamos que esta tendencia busca acercar la obra de arte al espectador, integrándolo mediante la estimulación de los sentidos, de modo que la obra ya no está destinada únicamente a ser contemplada desde la distancia.
En este contexto, las diversas muestras presentadas en la ciudad como experiencias inmersivas, aunque no se ajustan estrictamente a su definición, ofrecen un acercamiento a la obra y fomentan la reflexión a través de la estimulación de diferentes sentidos. En la mayoría de estas muestras, el color es el principal protagonista que nos transporta a otras realidades y nos sumerge en la reflexión planteada. Asimismo, advertimos cómo juegan un papel fundamental la iluminación, la disposición del espacio e incluso la música, como se ha observado en la propuesta de Roberto Huarcaya.
Podemos inferir, entonces, que el arte presentado en el país, utilizando sus elementos constitutivos tradicionales, busca cada día acercarnos más a las obras desde dimensiones más amplias y sensibles, haciendo que el arte sea más cercano e integrador.
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Comentarios(3)
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Me gustaría conocer más eventos con Entrada Libre.
Gracias
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